5.2.18

Paraiso Abierto / Cerrado

Durante la Navidad de 2017 y hasta finales de febrero,  permanecerá la instalación  Paraíso Abierto/ Cerrado en la Plaza Bib Rambla de Granada. La instalación, dentro del Proyecto Kiosco promovido por el Centro Guerrero y desarrollado por Juan Antonio Sánchez Muñoz y Vicente Morales Garoffolo (Kauh), entra en la reflexión sobre el espacio público y los espacios para el desarrollo de subjetividades.

Kauh Arquitectos (Foto: A. Ortega urbano)



La instalación hace referencia a la obra de Pedro Soto de Rojas de 1652 "Paraíso cerrado para muchos, jardines abiertos para pocos" y la paradoja que plantea la obra de abrir su jardín en el Albaicín sin tener que abrir la puerta del mismo. Para ello el kiosco se convierte en un espacio de reflexión sobre el hiperconsumo de la ciudad y la deriva escenográfica de los centros históricos, donde la intervención en un contexto como el de la Plaza Bib Rambla, una de las más céntricas y turistificadas de la ciudad, supone una distorsión de los lenguajes y códigos estéticos que construyen el subconsciente urbano. 

"Hoy, en el contexto de sobreexposición individual e hiperconsumo de ciudad, planteamos esta reflexión sobre el límite, su vigencia, su perti­nencia, su crisis, su reformulación o su reafirmación, precisamente en la esfera del espacio público y en esta plaza, en un quiosco como este, que es una especulación de lo que la plaza fue."


Kauh Arquitectos (Foto: A. Ortega Urbano)




Kauh Arquitectos (Foto: A. Ortega Urbano)
El proyecto, trabajando en ese mapa de la subjetividad que plantea, utiliza los materiales técnicos y constructivos que precisamente operan en ese lugar. Tanto el tapiado convencional como el luminoso como "falso objet trouvé" hacen referencia a los conceptos de límite, de espacio en espera, y  de espacios para el consumo o lo lenguajes urbanos y comerciales, de forma que el lenguaje arquitectónico se desvela como un mapa de códigos de comunicación urbana.

"Este falso objet trouvé, que asociamos a primera vista con carteles comerciales, permanece encendido a medias, sólo se alumbran las palabras “paraíso” y “cerrado”. La tecnología del neón, artesanal y en vías de extinción, enlaza, además de con lo comercial, con ser un material artístico, y nos remite a múltiples referencias, de lo popular al campo del arte pasando por el paisaje urbano." 


Kauh Arquitectos (Foto: A. Ortega Urbano)

Interesante la reflexión que sobre el proceso de montaje hacen sus autores, en el que el simple hecho de tapiar hace aflorar la sensación de derrota que los ciudadanos tienen sobre el rodillo capitalista en el paisaje urbano. 


"El tapiado del quiosco se proyectó como una acción en la plaza. El montaje se programó en tres pasos: cartelería, tapiado y colocación del rótulo. Durante el tapiado, los viandantes se paraban y comentaban la acción. “Mira, lo cierran para siempre” —dijeron unas señoras, o “esto es el certificado de defunción de lo que ha ocurrido en esta plaza” —sentenció el último vendedor de flores que despachó en el quiosco. La instalación concluirá con la demolición de la tapia."

Kauh Arquitectos
La instalación irá acompañada durante el mes de febrero de una serie de actividades relacionadas con la obra de Soto de Rojas, así como la publicación de la obra del poeta granadino en colaboración con el Centro José Guerrero.


20.12.17

Arquitectura Dispuesta (II): Esperanza 11, Coworking en San Pedro de Alcántara.



Del 7 de Noviembre al 15 de Diciembre se llevará a cabo la exposición Arquitectura Dispuesta: Preposiciones Cotidianas, comisariada por Marta Pelegrín, Fernando Pérez, Plácido González y  Weijia Tian, donde GRX exponemos algunos dos de nuestros proyectos: Corral y Patio y Coworking en San Pedro de Álcántara. Esta exposición nos ha forzado a generar una narración que estaba sepulta bajo las imágenes arquitectónicas y que por tanto tiene más que ver con la sección Arquitectura Sin Arquitectos que con una obra de autor.



Industria y artesanía en el subconsciente local. GRX Arquitectos
El Proyecto surge de la necesidad y la oportunidad de desarrollar un proyecto  de innovación social en la ciudad de San Pedro de Alcántara en la Costa del Sol.
El Proyecto afronta diferentes frentes conceptuales:
Contexto: Entre la historia de lo comunitatario y la proximidad de la destrucción turística y especulativa.
San Pedro de Alcántara, una ciudad con una historia de trabajo colectivo e innovación industrial y agrícola, ha sido devastada por el turismo y especulación  costera de los últimos 40 años. Ante la perdida de la destrucción cultural de este paisaje cercano, se hace necesario generar nuevas dinámicas de innovación social para la recuperación de una identidad contextual.


Imágenes del pasado productivo, industrial y colaborativo del San Pedro de Alcántara de la primera mitad del Siglo XX.


Marbella y San Pedro de Alcántara en el epicentro de la corrupción y especulación urbanística de finales del S. XX y principios del S. XXI.

Proyecto: La construcción de un ideal cercano.
El proyecto afronta el reto de crear un microcosmos de ambiente comunitario previo a la devastación del paisaje que lo soportaba: un espacio de innovación y trabajo colaborativo.  Para ello se hace necesario entender el estado de producción postfordista en el que somos creadores biopolíticos. Por este motive, a través de la arquitectura el Proyecto dialogos entre espacio y producción que como una protesis cyborg, propone un espacio donde el trabaj no solo ocurre frente a la computadora sino que se transforma en una trabajo relacional en las interacciones en eventos y la vida diaria es entendida como productiva.

Composición general del proyecto: Piel técnica y grada multifuncional. GRX Arquitectos.



Multifuncionalidad de la grada. GRX Arquitectos. 
Maqueta general. GRX Arquitectos.

Materialidad: Un trabajo sobre el subconsciente.

El Proyecto busca intregrar los ideales de recuperar un pasado innovador y tecnológicamente avanzado de San Pedro de Alcántara, uno de los lugares pioneros en su momento en la producción del azucar y en trabajo colaborativo y cooperativismo. Para ello se define una serie de pieles para el encauzamiento y registro de instalaciones e iluminación que se optimiza en fachada y algunas zonas de techo asociadas a una piel metáliza. De la misma manera, un gran mueble, para el uso de los coworkers, con el objetivo de conseguir un alto nivel de almacenamiento y que por otro lado permita la organización de eventos y permita plantear un solo espacio sin generar habitaciones o almacenes y asociado al material artsanal de la madera de las barcas de pescadores. El resultado integra el delicado equilibrio en la necesidades funcionales y técnicas, asociandolos a terminaciones materiales contrapuestas. Luz y materialidad refleja la belleza entre lo natual y lo artificial. La vida llena el espacio de sorpresas fenomenológicas en el día a día.

Recuperación de atmósferas colaborativas a través del espacio.


El espacio se plantea como una dualidad en equilibrio. La grada busca generar espacios de convivencia fuera del estricto espacio de trabajo, a la vez que cumple la funcionalidad concreta de espacio de almacenaje y de asiento para eventos. A su vez se generan espacios para otras actitudes más distendidas durante el tiempo de trabajo, así como dinámicas de conciliación.
El proyecto es especialmente relevante como nuevo modelo de trabajo en una barrio trabajador, donde estas dinámicas no son habituales, en las que la poética del espacio va de la mano de las nuevas dinámicas productivas.



Almacenaje en la grada multifuncional. GRX Arquitectos.

14.11.17

Arquitectura Dispuesta (I): Corral y Patio

Del 7 de Noviembre al 15 de Diciembre se llevará a cabo la exposición Arquitectura Dispuesta: Preposiciones Cotidianas, comisariada por Marta Pelegrín, Fernando Pérez, Plácido González y  Weijia Tian, donde GRX exponemos algunos dos de nuestros proyectos: Corral y Patio y Coworking en San Pedro de Álcántara. Esta exposición nos ha forzado a generar una narración que estaba sepulta bajo las imágenes arquitectónicas y que por tanto tiene más que ver con la sección Arquitectura Sin Arquitectos que con una obra de autor.




Corral y Patio. GRX Arquitectos.









El cascaborra: el castigo a lo urbano como tradición.
El Patrimonio Doméstico. El imaginario colectivo deviene paisaje.
Existe una forma de entender el patrimonio como el valor histórico de la relevancia artística o histórica de las cosas. Pero hay otro patrimonio, el del valor de los artesanal y sentimental, un patrimonio de lo cotidiano.
El proyecto se desarrolla en Puebla de Don Fadrique la norte de la provincia de Granada, un territorio considerado como una de las "puertas de Andalucía" por su localización de cruce entre Castilla, Murcia y Andalucía. La historia del pueblo, ligada a la expansión cristiana sobre Al-Andalus, construye sus tradiciones sobre la imposición del nuevo régimen cristiano sobre el islámico. En una de sus tradiciones, los "cascaborras" protegen a la virgen en su proceso de recaudación sobre las gentes del campo, bajo la amenza de "cascaborrazo" ante el impago. Esta especie de policía recaudatoria, casualmente introduce una decoración figurativa vegetal, relacionada con las ornamentación de los santos.
El cascaborra, como símbolo del enfrentamiento entre naturaleza y ciudad.

De alguna forma los trajes tradicionales adquieren condición de paisajes en si mismos, capturando la esencia paisajística del entorno rural, una reordinación de la naturaleza como representación de los cuerpos de adoctrinamiento y control.  Al dibujarlos como ejercicio de puesta en valor, se descubre esta relación con lo que se producía al dibujar el contexto, una suerte de relaciones directas entre la arquitectura como símbolo de la presencia humana, que a través de su blancura, permite destacar su entorno natural.
El contexto redibujado.


El proyecto, fuertemente ligado a los recuerdos de infancia y la relación proximidad entre la localización del proyecto y su contexto cultural. A partir de dibujar lo existente para convertirlo en un elementos transformable y como lugar transformable, y por tanto navegar entre el respeto a lo representado y su  editabilidad. 


Usos previos a la reforma e intervención en el patio que evoluciona hacia otras pequeñas intervenciones.

El proyecto surge de la voluntad antes de morir del abuelo: "hay que cerrar el patio". Una idea que rondaba su cabeza hacía años, la seguridad de la casa, competencia suya, flaqueaba por un patio desde que se podía entrar a cualquier rincón de la casa. La familia, tras el fallecimiento del abuelo, decide de una vez poner solución al problema, y dónde solo se quería cerrar un patio, surgen nuevas oportunidades y pequeñas intervenciones dirigidas hacia recuperar espacios perdidos de la casa. 



La edición de lo desechado
El primer trabajo desarrollado fue una medición exhaustiva de los espacios y las cosas, catalogando una serie de elementos que encerraban la belleza de usos desconocidos y localizaciones borrosas en la memoria: puntales, contrafuertes, rejas, ventanas, piedras, muebles, vigas, etc... que si bien parecían inútiles, algo había en estos objetos que habían sobrevivido a la lumbre y la basura. El simple hecho de dibujarlos les permitía cobrar nueva vida, la memoria familiar se recuperaba y comenzaban a recordarse su finalidad y localizaciones originales, y este ejercicio hacía a la familia ser conscientes de su propia historia, de su propio patrimonio cultural.


Catalogado de ventanas, que vuelve a instalarse por diferentes lugares de la casa. 


Diseño para el cerramiento del patio. 






Arar el espacio:
Los objetos catalogados comienzan a dar ideas de intervención, donde recolocarse o nuevos usos reciclados. El trabajo de proyecto se convierte en un workshop familiar, en una lluvia de ideas donde todos opinan y el consenso se convierte en la forma de proyectar:

- El nuevo suelo debe no incluir escalones, por la abuela, y unir las cotas de una vieja casa se convierte en un proyecto en sí mismo. Para su implantación aparecen restos de unas antiguas tinajas que servirán para iluminar la nueva bodega.
-El nuevo ventanal busca un equilibrio entre soleamiento, capacidad de ser limpiado con facilidad, aislamiento y registrabilidad. La necesidad de entrada y salida de un perro se convierte en necesidad.
- Una gran piedra parece perfecta para proteger el nuevo suelo de hormigón pulido, y para apoyar la lumbre para cocinar.
-El corral del patio parece inservible, y las tejas de su demolición se recuperan para hacer una bodega en el antiguo trigal. Con el vacío del nuevo patio aparece el deseo de dejar crecer un vergel, un "jardín en movimiento" como lo llama Gilles Clement.
-Una bañera antigua, una vieja pila, un retrete desechado y un ojo de buey parecen necesarios para acondicionar un nuevo baño en lo que era la marranera, que mejor localización.

Intervenciones de reciclaje y desplazamiento.







El proyecto abandona toda vocación de transcendencia o innovación formal arquitectónica para introducirse en el valor de las texturas reconocibles, las formas del contexto rural en continuidad con el resto de la casa. Esta forma de intervenir provoca formas de relacionarse entre las personas y los espacio informalmente, recogiendo las justa luz de Andalucía para poder comer en agosto sin cortinas ni persianas, que una pequeña rampa se convierta en el lugar de juego favorito de los niños pequeños, que una tarima sea un buen estudio de pintura o un comedor.

Patio como "Jardín en Movimiento"
El patio como transición.


Los sueños se articulan de recuerdos, imágenes y las sensaciones y sentimientos asociados a ellos. De la misma manera, los objetos cotidianos, texturas, luces y materias aparecen en el proyecto como elementos de un imaginario familiar. Se puede considerar el éxito del proyecto que la abuela, con problemas de memoria y que directamente enferma cuando no reconoce a las personas o los lugares, reconoce perfectamente el espacio a pesar de estar totalmente transformado, y mira a través de la ventana preguntándose "que le ha pasado a su casa, que estando tan hermosa, sigue siendo mi casa".


Corral y Patio (GRX Arquitectos)



Proyecto: Corral y Patio
Localización: Puebla de Don Fadrique (Granada)
Autores: Carlos Gor, Álvaro Gor y José Luis Concha (GRX Arquitectos)
Colaboradores: Agustín Gor,  Maribel Fernández
Más en GRX Arquitectos



20.7.17

Potentia Gaudendi

Venida Devenida es un equipo formado por dos arquitectas, Ana Olmedo y Elena Águila. En su trabajo se aprecia un "dulce activismo" con una  visión desprejuiciada y postfeminista sobre cuestiones de las prácticas subculturales. En la exposición Mediacciones  que se inauguró el pasado Mayo en Madrid en La Arquería de Nuevos Ministerios de Madrid expusieron su trabajo  Potentia Gaudendi, que resulta muy revelador dentro de la sección Arquitectura de Tecnología Inversa.





El proyecto se plantea como un mapeo de los espacios de practicas sexuales no normativizadas de la ciudad de Madrid y que, según Venida Devenida, se producen fuera de los márgenes heterosexuales y del canon del amor romántico. Chaperos,  cruising, prostitución, etc... se producen en espacios subvirtiendo los usos predeterminados para los que fueron concebidos. El mapa plasma como estos espacios no son marginales o periféricos como suelen narrarse





Uno de los elementos más interesantes de la investigación es el estudio de los espacios en que estas prácticas se dan lugar, relacionando espacio e interacción con los acuerdos daos entre los actores. Las autoras citan a Jan Kapsenberg y su análisis sobre los procesos, negociación y establecimiento de contacto íntimo, que dan lugar a los Erotic States of Aggregation Domain (ESOAD). Este proceso tiene lugar bajo procesos espacial y socialmente concretos. transcurriendo entre zonas de contacto y caza, a otros de negociación e intimidad. Estos procesos tienen su reflejo espacial en estos lugares de encuentro.





De la investigación espacial se extrae como estas prácticas hacen uso de elementos arquitectónicos convencionales para su uso subvertido. Como respuesta a este análisis, Venida Devenida desarrolla una serie de propuestas a modo de dispositivos arquitectónicos para el desarrollo de prácticas sexuales no convencionales, como los que se exponen bajo estas líneas para la práctica de la urolagnia y la pirofilia.








22.5.17

Last Ten Minutes II

La obra de Antoni Muntadas, que nos interesa desde la óptica del desvelamiento de la construcción de la identidad cultural y el subconsciente colectivo, supone una indagación conceptual en la la relación de los "mass media" y la cotidianidad. Su trabajo Last Ten Minutes II (1977) está actualmente expuesta en el Centro de Arte Reina Sofía.

Montaje original para la Documenta 6 de Kassel (1977).

"The Last Ten Minutes II (Los últimos diez minutos II) es una videoinstalación realizada por Antoni Muntadas para la Documenta 6 de Kassel, un evento centrado en el papel del arte en la sociedad de los medios de masas. Confronta en tres monitores los últimos diez minutos de la programación televisiva de tres ciudades de distintos países –Washington, Moscú y Kassel–, poniendo en evidencia aquello que tienen de uniforme los medios de comunicación de cualquier lugar del mundo: la presentación de la última actualidad, la figura estereotipada del locutor, etc. A esta retransmisión le suceden imágenes de las calles y gentes de cada una de estas ciudades, tomadas por el artista. Ambas escenas ponen de manifiesto el contraste entre la diversidad humana y cultural de cada contexto, y la cotidiana emisión televisiva, que se nos muestra como un espacio homogeneizador, un «no-lugar» donde la imagen se convierte en signo desterritorializado. De este modo, Muntadas incide en el papel de la imagen televisiva descontextualizada en busca de una confrontación entre la realidad específica de cada lugar y la construcción de un paisaje mediático común. Muntadas utiliza el vídeo como lenguaje crítico, como espacio de reflexión sobre la circulación de la información a nivel transnacional y la realidad mediada, en diálogo con la especificidad geopolítica."

Lola Hinojosa

Montaje actual en el MNCARS.

Descripción de la obra original para Documenta 6.
Lo interesante de la lectura de Lola Hinojosa es la de extraer no tanto una lectura desde la construcción ideológica y cultural de los tres paradigmas de occidente de los años setenta (los Estados Unidos, Alemania y la Unión Soviética), si no la interpretación de voluntad unificadora, "una paisaje mediático común". A pesar de las realidades bien diferenciadas de las sociedades a las que las los canales televisivos representaban, su canales de televisión construyen un espacio de identidad inconcreta, una suerte de lugares comunes prefabricados. Es por tanto reveladora la visión post-propagandística de los media del capitalismo tardío,  enfocada hacia el reblandecimiento del mensaje, dulce y estandarizado, enfocado a reducir la violencia de la visión del mundo a modo de Prozac social. El posicionamiento por tanto de vivir en una sociedad en paz, que solo puede ser amenazada desde el exterior invasivo, solo es posible sobre una dibujo suave y uniforme de la sociedad occidental. En este contexto la pobreza o la exclavitud son accidentes puntuales, condición fundamental para construir una ilusoria sociedad del bienestar e igualdad social, condición necesaria para la disolución de la lucha de clases marxista. Para que nadie se sepa de una clase inferior que de sentido a una lucha por la igualdad, todos debemos poder sentirnos en la clase preferente, o al menos esa clase debe estar dibujada como accesible, alcanzable y deseable.



Descripción del montaje. Los últimos 10 minutos de la programación televisiva con secuencias de las calles de  Washington, Kassel y Moscú.



2.9.16

Deriva a través de la construcción del subconsciente colectivo (I): El Territorio

Robert J. Flaherty  rodó el primer documental antropológico, "Nanook of the North"en 1924, sobre la vida de los aborígenes de las zonas árticas americanas. Para ello Flaherty convivió con los Inuit durante meses para conocer sus costumbres y formas de vida, pero a la hora de rodar la información pidió a estos esquimales que vistieran de una forma más pintoresca, usando los trajes tradicionales que ya entonces solo usaban para la festividades y evitando atuendos occidentales, y les pidió que no cazaran con armas de fuego si no usando los aparejos de sus ancestros. Cuando los críticos supieron que había filmado con esta metodología le criticaron por no ser fiel a la realidad. Flaherty argumentó que para ser fiel al espíritu de las cosas tenía que distorsionarlas (1.)entendío que lo relevante no era si la ropa y el atrezo era más o menos fiel a la realidad, si no que lo realmente veraz era trasmitir la sensación de ancestralidad que se experimentaba en los territorios Inuit, y para ello debía distorsionar estéticamente la narración.

Rober J. Flaherty "Nanook of the North" (1924).
La forma en la que se construye una narración es fundamental a la hora de transmitir un hecho histórico o explicar una realidad social o cultural. Bruno Latour habla de la "falacia de la guerra de las ciencias" (2.) debido a que los supuestos datos objetivos son en realidad constructos posicionados e interesados socio-políticamente en lo que el denomina “caja negra”. La ciencia utiliza una serie de cierres epistémicos que le permita aseverar ciertos datos y resultados como veraces y objetivos para el desarrollo de una narración científica, que a modo de pacto ajeno a la filtración de la subjetividad, presenta el conocimiento como si se construyera desde una urna impermeable a la contaminación contextual. Del mismo modo la narración de la historia se fundamenta en estas “cajas negras”, constructos narrativos que nos permiten encapsular y encriptar en cajones estancos historias que escapan a una lógica unidireccional. A partir de tres lecturas: lo territorial, lo arquitectónico, y de esta coalición a lo urbano, podríamos entender la importancia de estas tres escalas en la configuración  tecno-política de nuestro contexto.


EL TERRITORIO:
La construcción de la identidad del medio oeste estadounidense.
La idea de una identidad colectiva que se transmite a través de la cultura popular contiene una multiplicidad de capas epistémicas, como un hojaldre sobre el que se superponen discursos hegemónicos históricos y artísticos. En el caso europeo, la complejidad de los devenires históricos  y una historia de miles de años que además atraviesa diferentes campos culturales y transnacionales, estéticos y discursivos, le confieren una amplitud de lectura que hace imposible un seguimiento de una narración lineal del territorio. Pero el caso estadounidense es diferente, no tanto por ser una historia corta desde su construcción como estado colonial, sino porque su evolución y desarrollo ha sido documentada fotográficamente prácticamente desde su gestación. Esta es una cualidad común con diversos estados de la colonialidad europea, pero ninguna de los otros casos se convirtió rápidamente en la  vanguardia económica, militar y cultural que le confiere un rol de titán del capitalismo, mito que también deviene de construir una narración propia fácilmente exportable.
Fotografías de Edward Curtis Sheriff (arriba y centro izquierda), Carlenton E. Watkins (centro derecha) y Timothy O.Sullivan (abajo)


Esta narración no se puede entender sin la fotografía documentalista que acompañaron a los nuevos colonos y pioneros en las tierras del medio oeste norteamericano. Fotografías como las de Edward Sheriff Curtis, Timothy O´Sullivan, Carleton E. Watkins o William Henry Jackson a finales del siglo XIX y principios del XX, que recogen la fascinación por el paisaje y la vulnerabilidad del ser humano en su presencia y que parecen especialmente prediseñadas para la construcción de una ambientación del gran constructor del ideario estadounidense, el western. Podemos ver su influencia en la construcción visual de autores como John Ford, Sergio Leone o Sam Peckinpah, y construye el ideal del “hombre americano” encarnado en John Wayne, como modelo de la masculinidad americana: rudeza, violencia, individualidad, insolidaridad, control de la situación y justiciero, en definitiva el "hombre que vive con su propio código" como define Eva Respini (3.).

Hombre Marlboro.

Desde este punto se construye las bases de una comprensión nítida de la propia identidad para el estadounidense a partir del que se pueden entender dos líneas de fuga: la reivindicación de la supuesta autenticidad americana, representado en el “hombre Marlboro” en la publicidad, la televisión o el cine, o en la decadencia de esa figura y sus paisajes pero a la vez su construcción heroica, del Easy Rider (4.), así como la revisión de estos paisaje en el avance del capitalismo en la pintura de Edward Hopper o en la fotografía de Robert Adams, que muestra la vulnerabilidad de estos paisajes en decadencia, o Edward Ruscha y la producción seriada de lo urbano que destrona la idea de autenticidad americana, línea por la que incide Stephen Shore, mostrando la comercialización e industrialización de los equipamientos, o Adam Bartos mostrando la inhumanidad de las infraestructuras que dan soporte a esas líneas del ideario de libertad a la americana. En cualquier caso desde el constructo referencial a ese ideario representado y construido desde un discurso estilístico de territorio desde el siglo XIX, estos paisajes y las alianzas con sus habitantes, configura el soporte de una idea de territorio que será el background para la destilación de los discurso hegemónicos de una nación.

Adam Bartos (1978)


Stephen Shore (1975)


Referencias:
[1] Varnelis, K. & Sumrell, R. (2007). Blue Mondays. Barcelona: Actar 
[2] Latour, B. (1999). La Esperanza de Pandora. Barcelona: Gedisa
[3] Respini, Eva (2009). Into de Sunset. New York: MoMa (Catálogo de la exposición)
[4] Hopper, D. (1969) USA